TANGIBLE CLARIDAD
Cruel y extremadamente violenta son dos de los calificativos que lleva en su carta de presentación una película que se nos antoja curiosa.
Curiosa por su mezcla de estéticas, por sus momentos de grandeza -comienzo-, por algunas imágenes de gran intensidad dramática -lo que ha sido de la hija de Titus- y también, por qué no, por sus picos de vulgaridad que la enfangan deviniendo en execrable pero que a su vez la elevan a la intemporalidad.
Una historia de venganzas que abandona el texto y se instala en la pantalla para recordarnos la tangible claridad de la oscuridad del alma humana.
NI VENECIA
Leo que es una obra maestra del horror psicológico y automáticamente me llama la atención la película.
Protagonizada por Julie Christie (siempre me gustó) y Donald Sutherland (nunca me gustó pero nada se podía hacer), comienza con una de esas inquietante y lluviosa puesta en escena a la que son tan aficionados los directores de terror en general y los ingleses en particular.
...Y lo que prometía en maneras se va deshaciendo en modos a los pocos minutos de comenzada la proyección.
No ocurre nada y lo más inteligente es el bostezo apenas despabilado por alguna secuencia que por repetitiva -en intención- no conduce más que al convencimiento de que estás ante un subproducto sin pies ni cabeza.
Resulta confusa y absurda a partes iguales y ni siquiera Venecia, presentada aquí como una ciudad sucia, muerta y maloliente -te quita las ganas de conocerla si no lo has hecho- salva la parte visual de semejante engendro.
MATER AMANTÍSIMA,
MATER DOLOROSA.
Cuentan las crónicas que la vida de los pueblos se paralizaba enteramente mientras se estaba radiando...
Porque, Ama Rosa, antes de hacerse imágenes, nació en 1959 como un serial radiofónico que se convirtió en un auténtico fenómeno de masas.
Pionera del género folletinesco en las ondas, saltó a la gran pantalla con Imperio Argentina en su papel estelar.
La viuda pobre, enferma e impresionantemente abnegada que soporta todo tipo de maltrato emocional y físico en aras del bienestar de su hijo, se encuadra en ese tipo de cine de carácter moralizante tan en boga en la época.
Rosa es la madre amantísima, la madre dolorosa...
En ella sí se cumplen las letanías.
PASSIFLORA
Un alto en el camino a casa para contemplar la belleza de una de las flores más enraizadas en la cultura popular desde que los conquistadores españoles la descubrieron en Perú.
La imaginación del pueblo ve en la extraña flor de las pasionarias varios de los atributos que caracterizan el episodio de la pasión de Cristo.
Así, se puede entrever la corona de espinas que le pusieron en la cabeza, los tres clavos con que fue fijado a la cruz, las cinco llagas que laceraron su cuerpo y las cuerdas con que lo ataron.
Singular y espléndida en su arquitectura, nació con el don de no pasar desapercibida.
TRIBULACIONES POST MORTEM
Había una vez un obrero ejemplar que fue enterrado con su carnet laboral... así comienza esta muy bien construída sátira sobre la burocracia cubana de los años posteriores a la revolución.
Si alguna vez alguien dijo que "hacer buen cine" es lograr que el espectador se identifique con la historia que se nos está contando, Tomás G. Alea puede jactarse de haberlo conseguido con creces.
Su narración fílmica traspasa fronteras y, todavía hoy, es difícil encontrar a alguien que no haya sufrido personalmente la sensación de sentirse atrapado en los laberintos administrativos a partir de algún problema de lo más simple y elemental.
De oficina en oficina, de funcionario en funcionario -impresionante la caracterización psicológica de cada uno de ellos en apenas unos minutos- las tribulaciones de Juanchín irán en aumento con cada una de las absurdas situaciones que le toca vivir.
Tragedia para el protagonista y divertidísima comedia negra para el espectador, es hora de tomar venganza.
Y las venganzas también pueden ser poéticas.
LA REINA
El rostro de Montez aparece en primer plano totalmente iluminado y mira directamente a la cámara, baja sus ojos simulando vergüenza pero no puede evitar mirar de nuevo a la cámara... entonces entra un plátano en la escena.
Así, durante unos tres minutos aproximadamente, Mario recreará con el auspicio de Warhol un acto de autoconsciente provocación porque nos mira, -no lo pillamos in fraganti- nos mira y parece decirnos: "ved lo que puedo hacer con este plátano".
Como personaje, actúa y se adapta a lo que pide la cámara que le observa.
La reina es afeminada, intensa, oral, deseosa y excéntrica.
Está hecha para mirarla.
MARCADA VOCACIÓN
Interesante "novela cinematográfica" (por utilizar la terminología de entonces) en la que destaca la codirección de Vicente Blasco Ibáñez.
El film fue restaurado en 1998 a partir de unos metros de película en soporte de nitrato procedentes de Praga y una copia en castellano depositada en la Filmoteca de la Generalidad Valenciana.
Convencido de sus posibilidades en el cinematógrafo, el valenciano ya había probado suerte en 1914 al realizar el guión de Entre naranjos, y su marcada vocación de integrarse en el nuevo medio lo manifiesta al volver a adaptar otra de sus novelas.
Como todo lo que rodeaba esa faceta de su vida, la crítica se dividió entre blasquistas que elogiaban la película y aquellos que la criticaban por su carácter de españolada y su "endeble factura".
Aunque, eso sí, su éxito fue total tanto aquí como fuera de España porque Blasco vendía.
Mal que sepa a algunos, Blasco Ibáñez, vendía.
AMBICIOSO BIOPIC ESPAÑOL
Biografía del religioso francés del siglo XVII Juan Bautista de La Salle a cargo del director Luis César Amadori que ya había cosechado en 1958 un gran éxito -entre otros- con la película ¿Dónde vas, Alfonso XII?
Ambiciosa en su concepción, resulta cuidada en sus aspectos técnicos y debió contar con un elevado presupuesto como demuestra el rodaje en exteriores, el vestuario, y la contratación de una estrella extranjera -Mel Ferrer- como protagonista.
Por lo demás, la película, acorde con los gustos de la época, no deja de ser una versión idealizada del personaje que ilustra los pasajes más representativos de su vida ensalzando la virtud y santidad de Juan en contraposición a la envidia e intereses de las personas con las que le tocó vivir.
Entretenida si te interesa este tipo de cine, disfrutarás descubriendo muchas caras -algunas casi olvidadas- de una pléyade de buenos actores españoles que entran y salen a capricho de escena y cuyo fin último es resaltar la santidad del fundador de los Hermanos las Escuelas Cristianas.
RITUAL DE SANGRE Y MUERTE
" El cinematógrafo llena el mundo, pero todavía no ha llegado nadie a ser un novelista universal cinematográfico. El puesto está vacío. Voy a ver si el que lo ocupa por derecho de conquista es un español.
Blasco Ibáñez
Hollywood siempre se sintió atraído por las novelas de Blasco Ibáñez y éste a su vez correspondía con una marcada vocación cinematográfica (véase la adaptación de Sangre y Arena de 1917 realizada por él mismo) que se vio abortada muy tempranamente debido quizás a su peculiar -y equivocada- visión globalizadora del medio.
Su intento de dirigir, producir y escribir sus propias películas chocaba de lleno con una industria que precisamente se estaba elevando a la categoría de arte debido a la división de funciones tanto técnicas como artísticas.
Blood and Sand contiene todos los ingredientes para resultar atractiva al público de aquellos años: un argumento de gran contenido melodramático de dualidades morales muy marcadas y un exotismo intrínseco que impresiona al público.
Vistosos mantones y peinetas, el ritual de lucha en la plaza, y la muerte del torero por una bestia casi mitológica envuelto entre "sangre y arena" son aspectos que no podían escapar a la visión comercial de la meca del cine.
MEJOR PAQUIDERMO QUE INSECTO
Por lo menos te libras de morir aplastado en el momento -si no eres lo bastante grande- y sin duda gozarás de una vida regalada en un centro interactivo de conservación (zoo).
Así es la vida y al que le toca, le toca.
Eres en lo que te has convertido y si cualquier pequeño gesto (que no acto) te compensa, debo decir que eres afortunado.
La buena memoria siempre fue cosa de elefantes.
SIN DISTRACCIONES
De nuevo un Estudio 1 asomaba a la pequeña pantalla en una época en que los espacios dramáticos y de producción propia -recordemos la famosa Novela- copaban la programación de las dos entonces únicas cadenas.
Y de nuevo se le puso rostro (y ganas) a otra de las comedias más populares de ese Molière considerado inmoral y libertino en su época, pero que lejos de amilanarse acabó por crear la mayor galería de necios de la historia.
Nuestro personal Mezquino de pobre factura en cuanto a ambientación se refiere, se nutre en contrapartida del estimulante y siempre difícil reto de dejar caer el peso de la representación únicamente sobre los actores.
Caracterizaciones, actitudes y buen hacer de maestros, el elenco fue El Avaro.
Sin distracciones.
SIEMPRE NOS QUEDARÁ EL GRANJERO
Si cuentan las malas lenguas que ya en 1950 Janne Wyman se quejó por tener que aparecer "menos bella" que la inefable Dietrich en Pánico en la escena, después de leer el guión de esta película debería también haberse molestado.
Que no lo hiciera -supongo- nos remite a la idea de que aparecer "menos lista" no le preocupaba en absoluto.
Porque esta es la historia de una perdedora, amigas.
Lo miréis como lo miréis, y por mucho caballero de reluciente armadura a la vuelta de la esquina, sigue siendo la historia de una pobre fracasada.
De cómo ponerle a lo hechos una cataplasma y seguir tan felizmente, sólo es cuestión de acomodaticia pasión humana.
FALLIDA
La película, pese a contar con un planteamiento sugerente, una atmósfera adecuada y algunas buenas interpretaciones (Sutherland), desvanece conforme avanza el metraje las expectativas iniciales.
Aunque consigue crear cierta intriga a la hora de presentar los crímenes, desde el momento en que conocemos al asesino la trama adviene en una espiral de propósitos poco elaborados que quedan en suspenso sin que el espectador consiga dilucidar los motivos o las causas finales.
Ambiciosa en su concepción pero fallida.
MEJOR QUE SE VAYAN JUNTOS
Douglas y Broock debieron componer la pareja "de circunstancias" más penosa y falta de gracia de 2003.
Dos caracteres opuestos envueltos en una aventura banal y repleta de tópicos que agota a los pocos minutos de guión cualquier atisbo de originalidad... y de paciencia.
¿Hasta que la muerte los separe?
No. Mejor que se vayan juntos.
LE MALADE IMAGINAIRE
Y es que no puedo dejar de titularlo así porque si se trata del precursor de la Comèdie Française, en francés es más enfermo.
Es más imaginario.
Pero hablamos de una adaptación para la pequeña pantalla del ya lejano 1979 cuando el famoso Estudio 1 aglomeraba fragmentos de muchas vidas en torno a un solo espectáculo. De un tiempo en que lo de "que ponen hoy" estaba por encima de gustos y apetencias.
Y si sobre gustos se trata, la obra contiene todos los ingredientes para resultar sobresaliente. Una cuidada puesta en escena y unas magníficas interpretaciones -nunca del todo bien ponderados Caffarell y Ponte- avalan el proyecto de Aguado de trasladar una compleja comedia satírica al ámbito de lo cotidiano.
En francés es más enfermo, pero si se trata de este Argan, sólo él quedó como el perfecto hipocondriaco.
LA VENGANZA EN PLATO FRÍO, POR FAVOR
Anacrónica película llena de absurdos convencionalismos -quizás debidos a la traducción- y con nulo poder de empatía.
Su rebuscado planteamiento a la hora de representar la perfidia queda falto, las mayoría de las veces, de explicación aparente.
Da la impresión de que las cosas tengan que ocurrir per se, dando por supuesto desde el principio que serán de esta manera y no de otra.
La irrealidad en que la se mueven los personajes contrasta con el ambiente mundano que paradójicamente se quiere transmitir privando a la historia de una verosimilitud que acaba por confirmarse con un final dramático y maniqueo.
En plato frío, sí. Pero no nos pasemos y lo sirvamos helado.
RITMO LENTO
El título lo dice todo: el condenado va a escaparse.
Sabiendo esto sólo cabe esperar que algo ocurra que impida o trastoque por unos momentos los planes del prisionero.
No es así, y a lo largo del metraje la firme decisión de huida acaba por convertirse en monótona de tan lenta y -en apariencia- dejada al azar.
Porque si bien se nos explica minuciosamente la elaboración de los elementos necesarios para el fin, poco o nada se nos cuenta sobre el medio.
Desde un duro confinamiento sin apenas margen de acción, el reo parece que lo sabe todo.
Nosotros no.
APROXIMACIÓN A LA ESQUIZOFRENIA
Notable y poco conocida película de David Cronenberg que se adentra en la difícil tarea de reflejar el funcionamiento de una mente enferma.
De apenas 98 minutos de duración, su ritmo dilatado le confiere una cadencia quizá no apta para todos los públicos, pero que subraya la patética miseria y soledad de un hombre condenado a vivir prisionero de sus oscuros recuerdos.
Anclado en un pasado sin salida, Spider, nos trasladará como espectadores a cada uno de los episodios de su vida marcada por el delirio en la que se entremezclan realidad y fantasía.
Como él seremos engañados por sus percepciones y no será hasta el final del metraje cuando encontraremos la pieza que completa ese puzle inacabado de culpa, complejos y miedo.
Y con ella la respuesta.
SIN DEJAR UN CABO SUELTO
Primer telefilm de la segunda temporada (1972-1973) que cuenta con John Cassavetes y Pat Morita (Karate Kid) como artistas invitados.
Richard Levinson y William Link elaboran una historia sólida, Steven Bochco ejecuta el guión con maestría, Falk y Cassavetes están a la altura, y nosotros nos beneficiamos de una trama absorbente que nos mantiene pegados al sillón devanándonos los sesos para tratar de adivinar cómo el teniente conseguirá desenmascarar al asesino.
Porque Frank Colombo no se andará aquí con rodeos y asistiremos a un intenso tour de force dramático pero sin abandonar esas pinceladas de humor a las que nos tiene acostumbrados la serie.
Golpes maestros como el de la máquina de escribir, el teléfono o, cómo no nombrarlos, los medios de comunicación, nos hablan de la pericia de todo un equipo para conseguir un episodio sin dejar un cabo suelto.
LA DAMA OLVIDADA
El primer episodio de la quinta temporada cuenta con el aliciente de reencontrarnos con Janet Leigh -la recordada actriz de Psicosis- en un papel hecho a su medida.
La dama de la escena ávida de recuperar el esplendor perdido y dispuesta a todo para conseguirlo no es un argumento novedoso, pero sí uno de los más válidos para encajar a una estrella de esas características en una serie criminal.
El lujo y el glamour muy propios de los ambientes en los que suele desenvolverse Colombo queda aquí de nuevo plenamente justificado.
El guión sigue el mismo esquema que distingue -salvo alguna excepción- a estos episodios: presenciamos el crimen y conocemos al asesino, Colombo se pegará a él/ella como una lapa hasta resultarle francamente molesto y desquiciante, y al final resolverá el problema gracias a un "pequeño detalle" que invariablemente pasa desapercibido al espectador.
Un final que no decepcionará a nadie completa este caso de amor y nostalgias.
EL BOTONES HA SALIDO
Esperpéntica y muy desigual comedia dividida en episodios que narra las desventuras de un nada carismático -casi mejor si se despide- botones de hotel.
Cuatro historias -correspondientes a otras tantas habitaciones- caracterizadas por el tedio y la ausencia, en su mayor parte, de originalidad.
No es un secreto que Tarantino tiende en su cine a apropiarse de las ideas de otros y darles su toque personal -"el toque Tarantino" para sus fieles- y aquí vuelve a repetir la fórmula junto a sus amigos remedando a Lewis (El botones) y a Hitchcock (El hombre del sur).
El resultado no puede ser de peor calidad y sólo el capítulo dirigido por Robert Rodríguez (estupendo Banderas como gánster) consigue hacernos esbozar una sonrisa.
El botones ha salido. Ya sabemos cómo ha sido.
