HONDO (1953)

CORAMVOBIS, WAYNE



Interesante western en el que se combinan el romanticismo y la lucha contra los indios, si bien éste último tema se vislumbra como un alegato a su favor, justificando el por qué de sus acciones y, en cierta medida, dignificándolos.

Se trata de una historia sencilla en la que los valores inquebrantables del hombre de palabra, -y el mantenerse fiel a los mismos hasta las postreras consecuencias- conforman el universo idealizado del colonizador honesto en contraposición a la salvaje intervención mostrada en otros films.

Disfruta aquí Wayne de un papel creado a su medida. El héroe duro y a la vez tierno al que acompañan una impresionante presencia física y unos andares dignos de figurar en los anales del western.

Inolvidable la escena en que aparece caminando polvoriento con el rifle, la silla de montar y el perro. 

Ladies and gentlemen: Coramvobis Wayne.

MILAGRO BAJO LA LLUVIA (1956)

AIRE FRESCO


Adaptada por el propio Ben Hecht -autor de la novela-, Milagro bajo la lluvia es una historia sencilla que conmueve al espectador desde los primeros fotogramas.

Romántica y melodramática, las almas perdidas que se encuentran, se enamoran y experimentan la felicidad quizás por primera vez en sus vidas, remueve sentimientos y hace aflorar lo mejor de nosotros mismos.

El destino, ese poder inevitable e ineludible, guiará los acontecimientos con la mano fatal de lo no escogido; pero aún así, nos dejará ese "milagro" que seguirá hablándonos de esperanza.

Magníficas las interpretaciones de Wyman -que traspasa la pantalla- y Johnson que se cuela en nuestras vidas como un soplo de aire fresco.





  

LAS GARRAS DEL MURCIÉLAGO (1959)

LAS VALIENTES ANDAN SOLAS

Y no es para menos. 

Desde los primeros minutos Agnes Moorehead -escritora de novelas de misterio- enfrenta al asesino de garras afiladas con un aplomo digno de la que está de vuelta de todo y, pese haberlo visto dentro de su propia casa, se retira a reposar como si aquello no fuera con ella.

Es la palabra hecha acción que tantas y tantas veces hemos oído en las películas.

No sé si os habréis dado cuenta, pero siempre me ha resultado curioso que en los momentos de máxima tensión de algunas cintas siempre aparece alguien que dice: "Intenta descansar un poco" como si eso resultara posible.

Pues Agnes no necesita que se lo digan. Lo hace y punto.

Ese valor y parsimonia seguirá demostrándolo a lo largo de todo el metraje salvando con su arrolladora personalidad -y profesionalidad- una película que no pasa de aceptable.

Ni Vincent Price, siempre reclamo y baza segura en los fotogramas, consigue eclipsar a la que posteriormente se haría popular entre el público de los años 60 por su papel en Embrujada.

Y es que las valientes andan solas, como así lo demostró también en vida.

 

VENGANZA DE MUJER (1948)

LA SONRISA DE LA GIOCONDA

Muy interesante película en la que Charles Boyer da vida a ese personaje ambiguo -que tan bien se le daba- muy cercano al que posteriormente le valdría una candidatura al Oscar por Luz que agoniza.

Desde la primera escena, la zozobra se instala en la fila de butacas y nuestra complicidad se torna inherente hacia el protagonista porque los hechos se presentan descarnados e hirientes.


Poco a poco, la trama va desgranándose hasta llegar al delito que pone en juego toda la maraña de sentimientos, disimulos y duelos interpretativos en que los actores aprovechan al máximo el potencial de la historia.

Poco importa lo que intuyamos, hasta el final permaneceremos atrapados en el enigma que Huxley derivó en sonrisa de mujer.

La sonrisa de la Gioconda.

EL MULTIMILLONARIO (1960)

PRINCIPAL


El principal atractivo de las comedias de Marilyn Monroe reside precisamente en ella, en su presencia juvenil, sensual y encantadora.

Es ese rostro intemporal y perfecto el que arrolla la pantalla y hace desear que la farsa no termine nunca, que nos deje soñar un poco más, que no caigamos de bruces en un The End sin retorno.

A parte de eso, casi ninguna de sus películas cómicas -a excepción de Con faldas y a lo loco o El príncipe y la corista- pueden considerarse medianamente aceptables.

En general se trata de historias inverosímiles y aburridas como El millonario en las que el protagonista masculino gusta de hacer indefectiblemente el ridículo en aras de ese amor que hinche su corazón desde el momento en que vislumbra a la diosa.

Y mientras tanto, ella, ajena en su mundo cándido y sencillo.

Sólo los números musicales consiguen levantar la cinta dando un respiro a tan indefectible despropósito creado para mujeres y del gusto de los hombres.


Excelente para muchos, se queda en simpática y amable para aquellos que olvidaron hace tiempo el mundo de los sueños.

De ese principal sueño.

APOCALYPSE NOW (1979)

SIN CARISMA NI EMOCIÓN

Pocas películas precedidas de fama y reconocimiento general me han aburrido tanto como esta.

La historia, que prometía en un principio elevar a la categoría de icono a alguno de los personajes o a la obra en sí, se queda en sólo pretenciosa y enmarañada trama de motivaciones no suficientemente explicadas que aburre y se alarga en demasía a la espera de un final que luego juzgas decepcionante.

Sin carisma ni emoción, ni la figura del antihéroe la salva.
Y eso en Hollywood debería considerarse como grave.

EL CONDE DE MONTECRISTO (1942)

EDMUNDO DANTÉS

La inmortal obra de Alejandro Dumas, seguirá adaptándose  y readaptándose más allá de este siglo XXI porque contiene los ingredientes precisos para configurarse como una de las mejores novelas de aventuras de todos los tiempos.

Pero la literatura ocurre en la cabeza del lector.
Y el cine, aunque se recree en nuestra imaginación, es tributario de una imagen realista en la que la isla es la isla, la cárcel es la cárcel...  y el Conde de Montecristo es Arturo de Córdova.

Compone de Córdova en 1942 un Dantés que termina cautivando porque va ganando enteros a medida que avanza su aventura. La fuerza dramática del personaje crece en intensidad a medida que los avatares del destino moldean su visión del mundo y planean su venganza.

El protagonista, se desenvuelve con fluidez creando complicidad con el espectador, sorprendiéndole y hasta emocionándole a medida que crece la tensión narrativa.

Siempre recomendable en sus numerosas versiones, Edmundo Dantés se mira aquí en uno de sus más fieles retratos.

AMENAZA EN LA SOMBRA (1973)

NI VENECIA

Leo que es una obra maestra del horror psicológico y automáticamente me llama la atención la película.

Protagonizada por Julie Christie (siempre me gustó) y Donald Sutherland (nunca me gustó pero nada se podía hacer), comienza con una de esas inquietante y lluviosa puesta en escena a la que son tan aficionados los directores de terror en general y los ingleses en particular.

...Y lo que prometía en maneras se va deshaciendo en modos a los pocos minutos de comenzada la proyección.
No ocurre nada y lo más inteligente es el bostezo apenas despabilado por alguna secuencia que por repetitiva -en intención- no conduce más que al convencimiento de que estás ante un subproducto sin pies ni cabeza.

Resulta confusa y absurda a partes iguales y ni siquiera Venecia, presentada aquí como una ciudad sucia, muerta y maloliente -te quita las ganas de conocerla si no lo has hecho- salva la parte visual de semejante engendro.

AMA ROSA (1960)

MATER AMANTÍSIMA,
MATER DOLOROSA.


Cuentan las crónicas que la vida de los pueblos se paralizaba enteramente mientras se estaba radiando...

Porque, Ama Rosa, antes de hacerse imágenes, nació en 1959 como un serial radiofónico que se convirtió en un auténtico fenómeno de masas.

Pionera del género folletinesco en las ondas, saltó a la gran pantalla con Imperio Argentina en su papel estelar.

La viuda pobre, enferma e impresionantemente abnegada que soporta todo tipo de maltrato emocional y físico en aras del bienestar de su hijo, se encuadra en ese tipo de cine de carácter moralizante tan en boga en la época.

Rosa es la madre amantísima, la madre dolorosa...
En ella sí se cumplen las letanías.

LA MUERTE DE UN BURÓCRATA (1966)

TRIBULACIONES POST MORTEM

Había una vez un obrero ejemplar que fue enterrado con su carnet laboral... así comienza esta muy bien construída sátira sobre la burocracia cubana de los años posteriores a la revolución.

Si alguna vez alguien dijo que "hacer buen cine" es lograr que el espectador se identifique con la historia que se nos está contando, Tomás G. Alea puede jactarse de haberlo conseguido con creces.

Su narración fílmica traspasa fronteras y, todavía hoy, es difícil encontrar a alguien que no haya sufrido personalmente la sensación de sentirse atrapado en los laberintos administrativos a partir de algún problema de lo más simple y elemental.

De oficina en oficina, de funcionario en funcionario -impresionante la caracterización psicológica de cada uno de ellos en apenas unos minutos-  las tribulaciones de Juanchín irán en aumento con cada una de las absurdas situaciones que le toca vivir.

Tragedia para el protagonista y divertidísima comedia negra para el espectador, es hora de tomar venganza.

Y las venganzas también pueden ser poéticas.

EL SEÑOR DE LA SALLE (1964)

AMBICIOSO BIOPIC ESPAÑOL

Biografía del religioso francés del siglo XVII Juan Bautista de La Salle a cargo del director Luis César Amadori que ya había cosechado en 1958 un gran éxito  -entre otros-  con la película ¿Dónde vas, Alfonso XII?

Ambiciosa en su concepción, resulta cuidada en sus aspectos técnicos y debió contar con un elevado presupuesto como demuestra el rodaje en exteriores, el vestuario, y la contratación de una estrella extranjera  -Mel Ferrer- como protagonista.

Por lo demás, la película, acorde con los gustos de la época, no deja de ser una versión idealizada del personaje que ilustra los pasajes más representativos de su vida ensalzando la virtud y santidad de Juan en contraposición a la envidia e intereses de las personas con las que le tocó vivir.

Entretenida si te interesa este tipo de cine, disfrutarás descubriendo muchas caras  -algunas casi olvidadas-  de una pléyade de buenos actores españoles que entran y salen a capricho de escena y cuyo fin último es resaltar la santidad del fundador de los Hermanos las Escuelas Cristianas. 

ORGULLO CONTRA ORGULLO (1955)

SIEMPRE NOS QUEDARÁ EL GRANJERO

Si cuentan las malas lenguas que ya en 1950 Janne Wyman se quejó por tener que aparecer "menos bella" que la inefable Dietrich en Pánico en la escena, después de leer el guión de esta película debería también haberse molestado.
Que no lo hiciera  -supongo-  nos remite a la idea de que aparecer "menos lista" no le preocupaba en absoluto.

Porque esta es la historia de una perdedora, amigas.
Lo miréis como lo miréis, y por mucho caballero de reluciente armadura a la vuelta de la esquina, sigue siendo la historia de una pobre fracasada.

De cómo ponerle a lo hechos una cataplasma y seguir tan felizmente, sólo es cuestión de acomodaticia pasión humana.

LOS CRÍMENES DEL ROSARIO (1987)

FALLIDA

La película, pese a contar con  un planteamiento sugerente, una atmósfera adecuada y algunas buenas interpretaciones (Sutherland), desvanece conforme avanza el metraje las expectativas iniciales.

Aunque consigue crear cierta intriga a la hora de presentar los crímenes, desde el momento en que conocemos al asesino la trama adviene en una espiral de propósitos poco elaborados que quedan en suspenso sin que el espectador consiga dilucidar los motivos o las causas finales.  

Ambiciosa en su concepción pero fallida.

HASTA QUE LA MUERTE LOS SEPARE (2003)

MEJOR QUE SE VAYAN JUNTOS


Douglas y Broock debieron componer la pareja "de circunstancias" más penosa y falta de gracia de 2003.

Dos caracteres opuestos envueltos en una aventura banal y repleta de tópicos que agota a los pocos minutos de guión cualquier atisbo de originalidad... y de paciencia.

¿Hasta que la muerte los separe?
No. Mejor que se vayan juntos.

LAS DAMAS DEL BOSQUE DE BOLONIA (1945)

LA VENGANZA EN PLATO FRÍO, POR FAVOR

Anacrónica película llena de absurdos convencionalismos   -quizás debidos a la traducción-  y con nulo poder de empatía.

Su rebuscado planteamiento a la hora de representar la perfidia queda falto, las mayoría de las veces, de explicación aparente.
Da la impresión de que las cosas tengan que ocurrir per se, dando por supuesto desde el principio que serán de esta manera y no de otra.  

La irrealidad en que la se mueven los personajes contrasta con el ambiente mundano que paradójicamente se quiere transmitir privando a la historia de una verosimilitud que acaba por confirmarse con un final dramático y maniqueo.

En plato frío, sí. Pero no nos pasemos y lo sirvamos helado.

UN CONDENADO A MUERTE VA A ESCAPARSE (1956)

RITMO LENTO


El título lo dice todo: el condenado va a escaparse.
Sabiendo esto sólo cabe esperar que algo ocurra que impida o trastoque por unos momentos los planes del prisionero.
No es así, y a lo largo del metraje la firme decisión de huida acaba por convertirse en monótona de tan lenta y   -en apariencia-  dejada al azar.

Porque si bien se nos explica minuciosamente la elaboración de los elementos necesarios para el fin, poco o nada se nos cuenta sobre el medio.

Desde un duro confinamiento sin apenas margen de acción, el reo parece que lo sabe todo.

Nosotros no.

SPIDER (2002)

APROXIMACIÓN A LA ESQUIZOFRENIA

Notable y poco conocida película de David Cronenberg que se adentra en la difícil tarea de reflejar el funcionamiento de una mente enferma.

De apenas 98 minutos de duración, su ritmo dilatado le confiere una cadencia quizá no apta para todos los públicos, pero que subraya la patética miseria y soledad de un hombre condenado a vivir prisionero de sus oscuros recuerdos.

Anclado en un pasado sin salida, Spider, nos trasladará como espectadores a cada uno de los episodios de su vida marcada por el delirio en la que se entremezclan realidad y fantasía.

Como él seremos engañados por sus percepciones y no será hasta el final del metraje cuando encontraremos la pieza que completa ese puzle inacabado de culpa, complejos y miedo.

Y con ella la respuesta.

FOUR ROOMS (1995)

EL BOTONES HA SALIDO

Esperpéntica y muy desigual comedia dividida en episodios que narra las desventuras de un nada carismático  -casi mejor si se despide-  botones de hotel.

Cuatro historias  -correspondientes a otras tantas habitaciones- caracterizadas por el tedio y la ausencia, en su mayor parte, de originalidad.

No es un secreto que Tarantino tiende en su cine a apropiarse de las ideas de otros y darles su toque personal  -"el toque Tarantino" para sus fieles-  y aquí vuelve a repetir la fórmula junto a sus amigos remedando a Lewis (El botones) y a Hitchcock (El hombre del sur).

El resultado no puede ser de peor calidad y sólo el capítulo dirigido por Robert Rodríguez  (estupendo Banderas como gánster) consigue hacernos esbozar una sonrisa.

El botones ha salido. Ya sabemos cómo ha sido.

EL NEGRO QUE TENÍA EL ALMA BLANCA (1951)

SIMPLE


Su título nos habla del alma blanca con toda la simbología que la palabra entraña de pureza de sentimientos, de lealtad y sinceridad.

Lástima que la reciprocidad no sea la moneda de cambio en el camino que le toca recorrer al protagonista.

Pasión, desilusión, poder e infelicidad se conjugan en este drama existencial en el que la nobleza de sentimientos es exaltada en flagrante contraposición a la perfidia.

Simple en su planteamiento  -no consigue esbozar la complejidad de la novela-  se decanta por dar protagonismo a la historia de amor dejando en suspenso el drama personal de un hombre criado como blanco pero rechazado por una sociedad cargada de prejuicios.


 

UN LUGAR DONDE QUEDARSE (2011)

EL SÍNDROME DE PETER PAN

Película irregular que a veces peca de excesiva  -por lo muchas veces rebuscada-  y a la vez tremendamente honesta a la hora de retratar las excéntricas dependencias de su protagonista.

Ausente de todo y de todos  -hasta de sí mismo-  Cheyenne, un apático rockero cincuentón de aspecto gótico, vive anclado en un pasado que no ha logrado superar.
De temperamento infantil e hipersensible, la muerte de su padre le conducirá a un peculiar viaje iniciático por la América profunda a la búsqueda de un antiguo nazi.

Llena de grandes momentos muy disfrutables el resultado final no acaba de cuajar quizás por ese empeño en mezclar muchos géneros cinematográficos que nada aportan a la historia y que más bien acaban por lastrarla.

Una película distinta  -con unas grandes interpretaciones-  que deben ver todos aquellos que se sientan identificados con el país de Nunca Jamás.